Nhân dịp Pháp chuẩn bị kỷ niệm một trong những cuộc triển lãm quan trọng nhất trong lịch sử nghệ thuật, Alastair Smart tìm lại nguồn gốc và sự phát triển của một phong trào mang ý nghĩa tương đương như chính các nghệ sĩ được yêu thích trên thế giới, từ Monet đến Renoir, Pissarro đến Morisot.
Auguste Renoir (1841-1919), Bal du moulin de la Galette, 1876 (chi tiết). Dầu trên vải. 131,5 x 176,5 cm. Paris, Bảo tàng d’Orsay. Ảnh: Bridgeman Images
Năm 1867, Frédéric Bazille viết thư cho cha mẹ rằng ông và một nhóm họa sĩ đồng nghiệp đã không thực hiện được ước mơ ra mắt một triển lãm nghệ thuật độc lập. Nguyên nhân đơn thuần là do họ không kêu gọi được tài trợ. “Chúng ta sẽ phải quay lại với chính quyền mà chúng ta chưa bú được sữa,” ông nói một cách buồn bã khi ám chỉ Académie des Beaux-Arts toàn năng.
Bazille và những người bạn trẻ của ông – trong số họ có Claude Monet, Auguste Renoir và Camille Pissarro – không thích quan niệm rằng để thành công với tư cách là một nghệ sĩ ở Pháp giữa thế kỷ 19 thì phải có tác phẩm được trưng bày tại triển lãm chính thức do viện hàn lâm (Académie) điều hành, Salon. Ông gọi tình huống này là ‘nực cười’, với lý do hội đồng tuyển chọn của Salon ngột ngạt và luôn ưu tiên nghệ thuật hàn lâm hơn bất cứ thứ gì mang tính cải cách.
Bi kịch thay, Bazille chết trên chiến trường ba năm sau đó, ngay sau khi gia nhập một trung đoàn bộ binh hạng nhẹ khi bắt đầu Chiến tranh Pháp-Phổ. Khi đó ông 28 tuổi. Chiến tranh kết thúc với thất bại nhục nhã cho quân Pháp, đỉnh điểm là cuộc tuần hành chiến thắng trên đường phố Paris của quân địch và khoản bồi thường 5 tỷ franc (phải trả cho quân Đức trong vòng 5 năm).
Một bức ảnh của Félix Tournachon, hay còn gọi là Nadar, chụp studio của ông ở số 35 Boulevard des Capucines ở Paris, nơiđã trở thành địa điểm triển lãm trường phái Ấn tượng đầu tiên vào năm 1874. Paris, Thư viện quốc gia Pháp, Département des estampes et de la Photographie, EO-15(1)-FOL. Ảnh: Bibliothèque nationale de France
Đáng chú ý hơn, trong bối cảnh như thế, Monet, Pissarro và Renoir từ sớm đã giúp đỡ ra mắt cuộc triển lãm độc lập mà họ và Bazille hằng khao khát. Triển lãm bắt đầu vào ngày 15 tháng 4 năm 1874 tại Paris, trong studio trước đây của nhiếp ảnh gia Nadar, tại số 35 đại lộ Capucines. Cuộc triển lãm, có lẽ là quan trọng nhất trong lịch sử nghệ thuật, trưng bày tác phẩm của 30 nghệ sĩ dưới tên gọi chung là Hiệp hội vô danh gồm các họa sĩ, nhà điêu khắc, thợ khắc, v.v.
Ngày nay, chúng ta thường gọi họ là Những nhà nghệ thuật theo trường phái Ấn tượng.
Năm nay đánh dấu kỷ niệm 150 năm buổi ra mắt đầu tiên của trường phái Ấn tượng – tổng cộng có tám buổi, lần cuối cùng diễn ra vào năm 1886. Một số sự kiện ăn mừng đã được lên kế hoạch, bao gồm cả một lễ hội dành riêng cho phong trào này ở Normandy. Triển lãm cũng được tổ chức tại các thành phố như Strasbourg, Bordeaux và Nantes. Tại Paris, Musée d’Orsay tổ chức buổi triển lãm lớn nhất, Paris 1874: Inventing Impressionism, tập trung vào sự ra đời của phong trào. (Triển lãm sau đó được chuyển đến Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia ở Washington, D.C.)
Hiện nay, các họa sĩ theo trường phái Ấn tượng – cả tập thể lẫn cá nhân – được yêu mến trên toàn thế giới, tên tuổi của họ gần như chắc chắn sẽ thu hút được một lượng lớn khán giả. Tuy nhiên, thách thức đối với bất kỳ người giám tuyển nào vào năm 2024 là làm thế nào để tái tạo cảm giác về chủ nghĩa cấp tiến tuyệt đối của tác phẩm khi chúng lần đầu tiên ra mắt – không chỉ về mặt thẩm mỹ mà còn cả cách các nghệ sĩ dàn dựng toàn bộ buổi triển lãm đầu tay và tương tác trực tiếp với khán giả. Tham khảo các đánh giá từ 150 năm trước có lẽ sẽ hữu ích.
Claude Monet (1840-1926), Impression, Soleil Levant, 1872. Sơn dầu trên canvas. 50×65 cm. Paris, Bảo tàng Marmottan Monet.
Ảnh: © Musée Marmottan Monet, Paris / Studio Baraja SLB
Có đánh giá tích cực lẫn tiêu cực, tuy số lượng rất ít. Ernest d’Hervilly, đăng trên tờ Le Rappel, gọi các tác phẩm là “mới mẻ và hấp dẫn”, đồng thời nói thêm rằng “người ta không thể khuyến khích công việc táo bạo này quá nhiều”.
Ngược lại, một nhà phê bình tên là A.L.T. đã viết trên tờ báo bảo thủ La Patrie rằng khi xem buổi triển lãm khiến ‘bạn rất tiếc vì đã không đưa số franc mà bạn đã trả để vào xem cho một người ăn xin nghèo khổ nào đó’.
Trên thực tế, chính một trong số bài đánh giá triển lãm đã đặt tên cho phong trào mà ngày nay chúng ta gọi là Trường phái Ấn tượng. Nhà phê bình được đề cập, Louis Leroy, rõ ràng đã bị choáng ngợp bởi những gì ông nhìn thấy. Nhắm tới những lời chỉ trích cụ thể vào bức tranh của Monet về cảng Le Havre, Impression, soleil levant (Ấn tượng, Bình minh), ông tuyên bố (cùng với nhiều quan điểm khác) rằng ‘bản vẽ sơ bộ cho một mẫu giấy dán tường còn hoàn thiện hơn thế này’. Xuất hiện trên tạp chí châm biếm Le Charivari, bài phê bình của Leroy đăng với tiêu đề chê bai: ‘Triển lãm của những người theo Trường phái Ấn tượng’.
Cái tên cứ như vậy mà thành, và chính các nghệ sĩ thậm chí còn sử dụng nó cho triển lãm lần thứ ba vào năm 1877.
Điều đáng nói là những người theo Trường phái Ấn tượng không đột nhiên xuất hiện. Những người đã truyền cảm hứng cho họ bao gồm Edouard Manet; bậc thầy theo chủ nghĩa hiện thực Gustave Courbet; các họa sĩ thuộc trường phái Barbizon, chẳng hạn như Charles-François Daubigny; và họa sĩ người Anh J.M.W. Turner. Điều này nói lên rằng, cách thức Trường phái Ấn tượng chứng tỏ tính tính đột phá rất đa dạng – và từ đó, cũng mang tính phân cực.
Berthe Morisot (1841-1895), Reading, 1873. Sơn dầu trên vải. 18⅛ x 28¼ inch (46 x 71,8 cm). Món quà của Quỹ Hanna 1950,89. Bảo tàng nghệ thuật Cleveland
Những nét cọ ngắn, đứt đoạn thường để bắt đầu, và hầu như không truyền tải được hình thức, thay vào đó ghi lại ấn tượng tổng thể về đối tượng và nhấn mạnh tác động của ánh sáng trong một khoảnh khắc thoáng qua. Điều này khác xa so với bề mặt nhẵn, sự hoàn thiện cẩn thận và các hình thức phát triển đầy đủ gắn liền với viện hàn lâm.
Những người theo Trường phái Ấn tượng cũng sử dụng bảng màu sáng hơn so với những gì khán giả đã quen, một phần nhờ vào sự phát triển của bột màu tổng hợp. Họ thậm chí còn chọn hiển thị bóng bằng màu thay vì xám hoặc đen như thường lệ cho đến nay.
Sự ra đời của ống sơn kim loại có thể ép được vào giữa thế kỷ 19 cũng mang ý nghĩa quan trọng. Chúng dễ mang theo và đàn hồi hơn so với bong bóng lợn – thứ trước đây được sử dụng để đựng sơn – và tạo điều kiện thuận lợi cho việc vẽ tranh ngoài trời (en plein air) theo Trường phái Ấn tượng. Giờ đây, các hiệu ứng ánh sáng có thể được ghi lại tại chỗ một cách trung thực chưa từng có. (Các nghệ sĩ đã vẽ tranh ngoài trời từ lâu, nhưng trước thế kỷ 19 có xu hướng tạo ra các bản phác thảo tiền kỳ theo cách này và tạo ra những bức tranh hoàn thiện trong studio.)
Edgar Degas (1834-1917), The Dance Class, 1874. Sơn dầu trên vải. 32⅞ x 30⅜ inch (83,5 x 77,2 cm). Di sản của bà Harry Payne Bingham, 1986.
Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, New York
Một sự đổi mới khác là cách cắt xén ấn tượng mà một số người theo Trường phái Ấn tượng đã áp dụng – đáng chú ý nhất là Edgar Degas, trong những bức ảnh lệch tâm về các lớp học múa ba lê. Đây là một kỹ thuật mượn từ nhiếp ảnh và tranh in ukiyo-e đã được du nhập vào phương Tây từ Nhật Bản.
Khi đó, những người theo Trường phái Ấn tượng đã phản ứng với thế giới hiện đại theo nhiều cách, và điều này còn mở rộng sang cả chủ đề của họ. Thay vì vẽ tranh lịch sử – một thể loại được ưa chuộng từ lâu tại Salon và lấy cảm hứng từ các giai đoạn kinh thánh, thần thoại hoặc lịch sử – họ mô tả cuộc sống hiện đại. Để hình dung, thì đó là những cảnh diễn ra giữa những đại lộ rộng lớn, những khu vườn công cộng và những tòa nhà lớn mới mang nét đặc trưng của Paris, nhờ vào cuộc cải tạo mạnh mẽ thành phố của Nam tước Haussmann trong những năm 1850 và 1860. Những người bình thường được miêu tả đang thực hiện các hoạt động hàng ngày, thường là ở những không gian giải trí mới đang phát triển như quán cà phê và nhà hát. Một ví dụ nổi tiếng là bức tranh Bal du moulin de la Galette năm 1876 của Renoir, miêu tả những người dân Paris đang tận hưởng buổi chiều Chủ nhật tại một địa điểm khiêu vũ nổi tiếng trên Butte Montmartre.
Auguste Renoir (1841-1919), Bal du moulin de la Galette, 1876. Sơn dầu trên canvas. 131,5 x 176,5 cm. Paris, Bảo tàng d’Orsay. Ảnh: Bridgeman Images
Trường phái Ấn tượng được nhớ đến như một phong trào cách mạng hóa hội họa cùng những nguyên nhân tích cực. Tuy nhiên, cuộc cách mạng đó phải mất một thời gian để hòa kịp thời đại. Khoảng 3.500 người đã đến thăm triển lãm đầu tiên trong suốt thời gian một tháng diễn ra, ít hơn đáng kể so với số người tham dự Salon 1874 vào một ngày bình thường.
Những gì họ nhìn thấy là sự kết hợp đa dạng của các tác phẩm trên các phương tiện truyền thông khác nhau: không chỉ tranh vẽ mà còn cả tranh in, phấn màu và màu nước, cũng như các tác phẩm điêu khắc bằng đá cẩm thạch, đất nung và thạch cao. Đúng là những tên tuổi lớn mà chúng ta liên tưởng đến Trường phái Ấn tượng đã trưng bày nhiều tác phẩm nhất: Degas với 10 tác phẩm, Monet và Berthe Morisot với 9 tác phẩm mỗi người. Tuy nhiên, một số nghệ sĩ nổi bật có tác phẩm mang phong cách truyền thống hơn nhiều và trong một số trường hợp thậm chí đã từng trưng bày tại Salon trước đó, chẳng hạn như Auguste de Molins và Louis Debras, cả hai đều ở độ tuổi năm mươi.
Sự tham gia của họ là nguồn gốc của sự bất đồng. Pissarro, cho rằng điều đó làm tổn hại đến tính toàn vẹn của nhóm, cuối cùng đã thua Degas, người cảm thấy rằng các nghệ sĩ đã thành danh sẽ thu hút nhiều du khách hơn. Như Anne Robbins, đồng giám tuyển của Paris 1874: Inventing Impressionism, đã chỉ ra, ‘phong trào sinh ra đã không được hình thành đầy đủ’ – và ban đầu ‘không có một thẩm mỹ chung nào ràng buộc các nghệ sĩ’, giống như ‘một mong muốn chung là thể hiện khỏi Salon’.
Camille Pissarro (1830-1903), The Public Garden at Pontoise, 1874. Sơn dầu trên vải. 23⅝ x 28¾ inch (60 x 73 cm). Món quà của ông bà Arthur Murray, 1964.
Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan, New York
Sẽ có những bất đồng “nội bộ” khác trong những năm tới. Ví dụ, Degas luôn hiếu thắng đã coi thường sở thích vẽ tranh ngoài trời của các đồng đội của mình. Ông châm biếm rằng ‘nếu tôi là chính phủ, tôi sẽ có một đội hiến binh đặc biệt để theo dõi các nghệ sĩ vẽ phong cảnh từ thiên nhiên’.
Về mặt tích cực, những người theo Trường phái Ấn tượng giờ đây đã có được sự đảm bảo tài chính mà họ đã thiếu vào năm 1867. Điều này một phần nhờ vào sự giúp đỡ của đại lý Paul Durand-Ruel, người đã trả tiền thù lao cho các nghệ sĩ và mua hàng trăm bức tranh của họ. Những người theo Trường phái Ấn tượng như chúng tôi sẽ chết đói nếu không có ông ấy,” Monet (có lẽ hơi cường điệu) nói vào cuối đời.
Khi chúng ta nghĩ về Trường phái Ấn tượng ngày nay, chúng ta nghĩ đến một nhóm các nhân vật cốt lõi – Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir và Alfred Sisley – những họa sĩ đã thể hiện tất cả hoặc hầu hết các đặc điểm của trường phái Ấn tượng đã nêu ở trên. Tuy nhiên, điều đáng chú ý là có tổng cộng 58 nghệ sĩ đã trưng bày tác phẩm trong tám cuộc triển lãm, trong đó chỉ có Pissarro xuất hiện trong mỗi cuộc triển lãm.
Monet thực sự đã chọn không tham gia cuộc triển lãm thứ năm, vào tháng 4 năm 1880, và thay vào đó trưng bày tại Salon năm đó. Tờ báo Le Gaulois đưa tin này với sự hài hước đen tối, thông báo cho độc giả về “sự mất mát đau đớn” của “một trong những bậc thầy đáng kính của [Trường phái Ấn tượng]” – và thông báo rằng “đám tang của Monsieur Claude Monet sẽ được cử hành vào ngày 1 tháng 5 [ngày Salon thành lập]’.
Georges Seurat (1859-1891), A Sunday on La Grande Jatte – 1884, 1884-86. Dầu trên vải. 81¾ x 121¼ inch (207,5 x 308,1 cm).
Bộ sưu tập tưởng niệm Helen Birch Bartlett. Viện nghệ thuật Chicago
Tất cả những điều đó nhằm nói lên rằng Trường phái Ấn tượng là một phong trào kém đồng nhất hơn những gì được gán cho, với các mục tiêu của nó liên tục được đàm phán. Thật vậy, mặc dù cuộc triển lãm năm 1886 – vì những lý do hiển nhiên – được coi là sự hoan hô cuối cùng, nhưng thay vào đó người ta có thể coi nó như một ví dụ khác về quá trình tiến hóa.
Trong buổi triển lãm có bức tranh A Sunday on La Grande Jatte – 1884 của George Seurat, kiệt tác sáng lập của Trường phái Ấn tượng Mới. Đúng như tên gọi của nó, đây là một phong trào được sinh ra từ trường phái Ấn tượng, sự phát triển then chốt là việc áp dụng nét vẽ một cách có hệ thống hơn. Cùng với Seurat và Paul Signac, Pissarro sẽ trở thành người đứng đầu.
Ảnh hưởng của trường phái Ấn tượng cũng kéo dài đến thế kỷ 20. Khi đặc quyền cách chúng ta thấy hơn những gì chúng ta thấy, nó báo trước những phong trào như Chủ nghĩa lập thể – trong khi giải phóng nghệ thuật khỏi chức năng mô tả thuần túy của nó, nó báo trước một loạt thực hành tiên phong và cuối cùng mở đường cho sự trừu tượng. Không phải tự nhiên mà năm 1874 được nhiều người coi là ngày khai sinh của nghệ thuật hiện đại. Phong trào được đề cập đã để lại ấn tượng lâu dài.
Paris 1874: Inventing Impressionism khai mạc tại Musée d’Orsay vào ngày 26 tháng 3 năm 2024, kéo dài đến ngày 14 tháng 7. Triển lãm sau đó sẽ chuyển đến Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia, Washington, D.C., từ ngày 8 tháng 9 năm 2024 đến ngày 20 tháng 1 năm 2025
Nguồn: Christie’s Online Magazine; Dịch: K.U
