Installation view of the 2021 New Museum Triennial, featuring works by Evgeny Antufiev, Hera Büyüktaşçıyan, and Jeneen Frei Njootli.ALEX GREENBERGER FOR ARTNEWS
Mạch diễn hai năm một lần đã bị giáng một đòn mạnh bởi đại dịch, khiến cho việc lắp ráp các ấn bản khổng lồ của các buổi trình diễn định kỳ của nghệ thuật đương đại gần như không thể thực hiện được trong bối cảnh hạn chế của tất cả các loại hình. Nhưng những người yêu nghệ thuật ở Mỹ có thể vui mừng trong tháng này với sự trở lại của ba cuộc triển lãm đáng chú ý: Triển vọng New Orleans ba năm ở Louisiana, Quinquennial Greater New York tại MoMA PS1, và bây giờ, Bảo tàng New Triennial, mở cửa ở New York vào thứ năm tuần này.
Được tổ chức bởi người phụ trách Bảo tàng New Triennial, Margot Norton và người phụ trách cấp cao của Viện Nghệ thuật Đương đại Los Angeles, Jamillah James, chương trình tập trung vào các hình thức phản kháng — một chủ đề phù hợp trong khoảng thời gian thử thách này. Tuy nhiên, đừng mong đợi xem nghệ thuật thiền định về việc khóa cửa, các cuộc biểu tình Black Lives Matter vào mùa hè năm ngoái hoặc các cuộc tranh luận về các cuộc xung đột gần đây. Nghệ thuật bóng bẩy ở đây có thể ám chỉ các vấn đề cấp bách liên quan đến chủng tộc, giới tính và tình dục, và nó thậm chí có thể khắc họa lịch sử đau thương của chủ nghĩa thực dân trong quá trình này, nhưng những tác phẩm này hiếm khi nói trước về mối quan tâm của họ. Trong cuộc triển lãm mới mẻ này, các nghệ sĩ chủ yếu chọn một phong cách thẩm mỹ bóng bẩy, trong đó chính trị được lồng vào hơn là phơi bày.
Hội họa ra đời và một loại điêu khắc kỳ quặc đáng chú ý đang xuất hiện. Chủ nghĩa siêu thực ra đời một lần nữa sử dụng các vật dụng hàng ngày làm sẵn, vật liệu công nghiệp thường chia sẻ không gian với vật liệu tự nhiên trong các tác phẩm. Khoa học viễn tưởng, tương lai tồn tại trong hiện tại và các kỹ thuật thủ công và mỹ nghệ là thứ không thể phân chia được. Có rất nhiều điều đang diễn ra trong tâm trí của 40 nghệ sĩ với tác phẩm đang xen, một trong số họ đang có những buổi giới thiệu đầu tiên ở New York, nhưng hiếm khi có thể nói rằng nghệ thuật của họ không bất cứ gì mang lại ít cảm giác hơn là sự sáng tác hết mình. Triển lãm của Norton và James đáp ứng sự hỗn loạn của thời điểm này với sự chấp nhận nghịch cảnh và yên bình.
Hãy xem tám nghệ sĩ nổi bật trong chương trình của họ dưới đây:
Gabriela Mureb
Trong một buổi trình diễn thiên về tác phẩm điêu khắc lớn, một tác phẩm nhỏ bé chỉ làm bằng động cơ, một viên đá và một ít nhôm đã tạo ra sự thú vị một cách kỳ lạ. Tác phẩm điêu khắc đó của Gabriela Mureb, có tựa đề Machine #4: stone (ground), năm 2017, là một tiền đề có vẻ đơn giản – một viên đá được tạo ra liên tục bởi một thanh cơ học – điều này nói lên sự quan tâm của những người quản lý đối với sự kiên trì. Tác phẩm lấy cảm hứng từ một câu ngạn ngữ của người Brazil – “Nước mềm trên đá cứng, đập cho đến khi đục thủng một lỗ” – điều đó cũng mang lại cho tác phẩm này tiêu đề liên quan đến sự kiện ba năm. Hãy quan sát khi viên đá được máy này chọc đi chọc lại và chú ý cách phiến đá này nhô ra một chút rồi tự đặt lại vị trí cũ. Mureb đã tạo ra một phép ẩn dụ mạnh mẽ cho sự phản kháng khi đối mặt với các thế lực ngoài tầm kiểm soát của chúng ta.
Iris Touliatou
Trong suốt cuộc triển lãm này, các nghệ sĩ sử dụng những mảnh vụn hàng ngày và mang đến cho nó một ý nghĩa mới. Để thực hiện Untitled (Still Not Over You), năm 2021, Iris Touliatou đã đến thăm các văn phòng không sử dụng ở Athens, nơi cô ấy đang làm việc và lấy những thiết bị chiếu sáng gần như không hoạt động. Cô ấy đã sắp xếp lại những bóng đèn thành hai hình dạng vuông vức mà nhìn từ xa giống như những tác phẩm điêu khắc theo trường phái tối giản. Dần dân, mặt tiền lạnh lẽo của công trình biến mất. Tiếp theo đó, các dây tóc của bóng đèn phát sáng và công việc bắt đầu sống động. Sau đó, nó im lặng một lần nữa và tiếp tục sự yên tĩnh của nó. Đèn của Touliatou một lúc nào đó sẽ ngừng hoạt động bình thường, có lẽ ngay cả trong thời gian chương trình diễn ra. Cho đến lúc đó, người xem có thể theo dõi khi tác phẩm điêu khắc đang dần tiến đến gần với việc “chết đi”.
Laurie Kang
Nhiếp ảnh – ít nhất là theo nghĩa truyền thống – gần như vắng bóng tại Bảo tàng New Triennial, mặc dù nó xuất hiện cùng các tác phẩm điêu khắc của các nghệ sĩ như Laurie Kang – Great Shuttle, (2020 -2021) là một trong những tác phẩm lớn nhất trong triển lãm này. Kang làm việc theo truyền thống của các nghệ sĩ tạo ra nhiếp ảnh không cần ảnh, thường dẫn đến sự trừu tượng. Trong Great Shuttle, những tấm phim lớn không định hình treo lủng lẳng trên một cấu trúc làm bằng vật liệu công nghiệp; họ sẽ phát triển trong quá trình chạy chương trình và tạo ra những hình ảnh mới trong quá trình này. Bên cạnh những tấm này, Kang đã sắp xếp các tác phẩm sắp đặt của mình với đường uốn cong (một sản phẩm khung thép thường được sử dụng khi xây dựng các kết cấu bằng kim loại và gỗ), đinh tán thép, củ sen, phôi cá cơm, bắp cải và lá tía tô. Khi kết hợp tất cả những vật chất không giống nhau này lại với nhau, Kang thu gọn ranh giới giữa hữu cơ và vô cơ một cách thanh lịch, và cho thấy rằng nhiếp ảnh – một phương tiện mà nhà lý thuyết Roland Barthes từng so sánh với cái chết – rất sống động.
Sandra Mujinga
Nổi bật khi giành được giải thưởng nghệ thuật hàng đầu của Đức dành cho các nghệ sĩ trẻ , Sandra Mujinga đang chiếu Pervasive Light (2021), một video sắp đặt có một nhân vật da đen mặc áo choàng có hình ảnh bị mờ và tối. Tuy nhiên, tìm cách sửa chữa cho nhân vật bí ẩn này chứng tỏ đây là một nhiệm vụ khó khăn. Đối tượng đang quằn quại của Mujinga di chuyển vào và ra khỏi tiêu điểm và thường chỉ được nhìn thấy trong thời gian ngắn trước khi lùi vào khoảng trống. Đã đặt thành một dòng âm trầm mạnh mẽ, video này là một thế giới khác – một hiệu ứng được nâng cao bởi bản trình bày từ ba màn hình, gợi lại những bộ ba tôn giáo đòi hỏi sự tôn kính. Mujinga đã nói về các tác phẩm trước đây là về “di chuyển trong bóng tối”, hoặc khám phá bóng tối bằng cách từ chối để được nhìn thấy. Tồn tại ở rìa giới hạn của tầm nhìn, chủ đề của Pervasive Light từ chối chúng tôi bằng những câu trả lời dễ dàng.
Ambera Wellmann
Trong cuộc triễn lãm lần này của Bảo tàng New Triennial chỉ bao gồm một số ít các bức tranh và điều đó làm cho bức Strobe dài 30 feet (2021) của Ambera Wellmann trở nên nổi bật hơn tất cả. Trong tác phẩm khổng lồ này, một loạt các nhân vật tạo nên một phong cảnh trừu tượng được hiển thị trên một quy mô được kết hợp với các bức tranh lịch sử của Jacques-Louis David và những người tương tự. Những con người có kích thước và màu sắc khác nhau: một số dường như tồn tại ở quy mô của các tòa nhà, trong khi những người khác nhỏ hơn và được thể hiện một cách tự nhiên hơn. Theo cách trang điểm bằng những bức tranh sơn dầu của Cecily Brown, Wellmann đưa ra những nhóm người có giới tính không rõ ràng và có cơ thể ép vào nhau, ám chỉ về một lễ kỷ niệm vui vẻ mà tại đó những con chó và vịt trời cũng tham dự.
Amy Lien và Enzo Camacho
Những bóng ma của quá khứ vẫn còn sống sót trong làn sóng di chuyển mật của Amy Lien và Enzo Camacho (2020), một tập hợp các tác phẩm điêu khắc treo đầu phụ nữ với các khối giống như các cơ quan bên dưới chúng. Những cái đầu đó được dựa trên một bức tượng của Louis Botinelly ở Marseilles, trong đó các thuộc địa châu Á của Pháp được coi là khỏa thân nằm nghiêng. (Waves move bile lần đầu tiên được trình chiếu tại ấn bản năm 2020 của lễ hội Manifesta lưu động hai năm một lần ở châu Âu, diễn ra tại thành phố của Pháp vào năm đó.) Qua bàn tay của Lien và Camacho, những nhân vật bị động được chuyển sang chủ động. Với tư duy tạo ra một sinh vật ma cà rồng trong văn hóa dân gian Đông Nam Á, Lien và Camacho đã biến người phụ nữ này thành một bóng ma được hình thành một phần được thắp sáng từ bên trong cơ thể không da thịt được lặp đi lặp lại năm lần. Đặt bên trong một phòng trưng bày tối tăm, những nhân vật phụ nữ này bắt gặp ánh nhìn của người xem, như thể sẵn sàng chiến đấu.
Hera Büyüktaşçıyan
Trong một cuộc phỏng vấn năm 2020 với trang web border_less, Hera Büyüktaşçıyan từng gọi thảm trải sàn như một thứ “đóng vai trò như một biên giới và ngăn cách giữa chúng ta và sự lạnh giá của trái đất.” Do đó, không có gì ngạc nhiên khi cô ấy ngày càng quan tâm đến những gì nằm dưới chân chúng ta – đặc biệt là những lớp lịch sử nằm sâu trong lòng đất. Đối với sự sáng tạo của cô ấy Nothing Further Beyond (2021), Büyüktaşçıyan cung cấp những miếng thảm được cắt lát sạch sẽ xếp chồng lên nhau. Một số dường như hơi uốn cong; những tấm khác được tô điểm với những đường vân nhẹ nhàng. Điểm mấu chốt của Büyüktaşçıyan đối với công trình này là tàn tích của Cổng vòm Theodosius ở thành phố Istanbul, quê hương của cô. Đối với người La Mã cổ đại, cổng vòm có thể được coi là một tham chiếu đến các Trụ cột thần thoại của Hercules, đánh dấu biên giới của nền văn minh phương Tây và được tô điểm bằng tiếng Latinh có nghĩa là Nothing Further Beyond. Hãy coi những tấm thảm của Büyüktaşçıyan như một phương tiện để gợi ý rằng những đường biên giới như đường viền đó chỉ là hư cấu.
Jeneen Frei Njootli
Thay vì lắp đặt hoàn toàn tác phẩm của họ ở một nơi, như tiêu chuẩn của các nghệ sĩ tham gia các buổi trình diễn theo phong cách hai năm một lần, Jeneen Frei Njootli (Vuntut Gwitchin) đã rải hàng đống hạt của họ khắp Bảo tàng New Triennial, thường là ở những ngóc ngách thông thường bị chiếm bởi mạch điện và hệ thống dây điện. Những gò đất này đều nằm trong tác phẩm mang tên Fighting for the title to not be pending (2020). Những tác phẩm nằm trong góc được so sánh với tác phẩm điêu khắc từ kẹo của Felix Gonzalez-Torres, mặc dù không giống như những tác phẩm đó, sử dụng đồ ngọt được mở để sáng tạo, tác phẩm của Frei Njootli có nghĩa là vẫn còn nguyên vẹn. Tuy nhiên, theo tinh thần của các tác phẩm của Gonzalez-Torres, Fighting for the title to not be pending rất dễ vỡ – chỉ một bước sơ suất có thể khiến các mảnh thủy tinh nhỏ màu vàng, đen và đỏ thẫm trượt qua các tầng của phòng trưng bày. Với những tác phẩm như bức tranh này, Frei Njootli khó khăn thu hút sự chú ý và rất cần giữ lại một khoảng trống và gọi nó là của riêng chúng.
Theo Art News
